Par Marianne Roos, M.Sc., Pht, Cand. PhD

Éducation – BEAUCOUP! Adaptée aux musiciens

Comme il a été mentionné dans un blogue précédent, la grande majorité des musiciens ne reçoivent pas de formation sur la prévention et la gestion des blessures ou sur la santé générale, tout au long de leur formation musicale. De plus, leur culture comprend plusieurs croyances et habitudes qui ne contribuent pas à la promotion de leur santé, au contraire (ex.: une approche « no pain, no gain » à la pratique de l’instrument, l’évitement des professionnels de la santé, la marginalisation et/ou le jugement des collègues qui font des exercices physiques au travail)!

C’est pourquoi l’éducation spécifique aux musiciens est particulièrement importante chez cette population. Il est essentiel de discuter en détail de la quantification du stress mécanique et de leurs habitudes de pratique, en les questionnant sur les moments de la journée qu’ils pratiquent (matin, après-midi, soir, nuit); les échauffements physiques (est-ce qu’ils commencent leur journée de travail avec des échauffements? Ils devraient!); les échauffements qu’ils font (plusieurs musiciens sont hyperlaxes et/ou font des étirements statiques qui ne sont pas nécessaires); le volume auquel ils pratiquent (il est physiquement plus demandant de jouer fort, et ce n’est pas toujours nécessaire); et, facteur important, la fréquence et la longueur de leurs pauses. N’hésitez pas à suggérer des modifications à leur horaire de pratique afin d’améliorer leur quantification du stress mécanique (gestion des charges mécaniques appliquées au corps). Ils ont également besoin de beaucoup de conseils au sujet du repos et du repos relatif après une blessure, ainsi qu’au sujet du retour progressif au travail et à la pratique après des périodes de repos.

Considérations particulières pour la gestion de charge (quantification du stress mécanique) chez les musiciens :

• Changements d’instruments : Plusieurs musiciens utilisent des archets ou des instruments différents d’une semaine ou d’une journée à l’autre, sans être conscients de l’impact de ces changements sur l’application de charges mécaniques.
• Changements de répertoire musical : La charge varie énormément selon la pièce ou le passage (court trait) de musique joué. Est-ce que cela requiert de la vitesse, de la force, de l’endurance, des mouvements de grande portée, toutes ces options? Aidez le musicien à augmenter sa conscience de l’impact de ces différentes demandes sur la charge physique de son travail et à mieux organiser ses périodes de pratique et d’autres activités en conséquence.
• Changements de chef d’orchestre ou de professeur d’instrument : Différents chefs ou enseignants ont des approches différentes, et certaines engendrent plus de fatigue que d’autres. Nous pouvons aider les musiciens à être plus conscients de ces nuances et à faire des ajustements ailleurs dans leur journée pour mieux gérer les charges mécaniques.
• Port de l’instrument : Même les petits instruments peuvent causer des douleurs ou des blessures s’ils sont portés fréquemment ou dans des sacs sous-optimaux! Les musiciens ont souvent plusieurs versions du même instrument qu’ils doivent transporter avec eux, ce qui contribue de façon significative à leur charge mécanique quotidienne. Étant donné que les musiciens voyagent fréquemment pour leur travail, ils ont souvent à porter leurs instruments ET leurs sacs de voyage.

Les musiciens ont surtout besoin d’aide afin d’apprendre à écouter leur corps et à comprendre les signaux que le corps leur envoie. Pour plusieurs qui ont déjà joué longtemps avec des douleurs, il est difficile de changer l’habitude et de respecter ses propres limites. Il est essentiel de commencer avec l’éducation spécifique aux musiciens sur la douleur : Qu’est-ce que la douleur et qu’est-ce que ça veut dire? Quels sont les différents types de douleur? Quand est-ce trop? Comment faut-il réagir ou s’adapter lorsqu’une douleur est ressentie?

Les musiciens ont également tendance à être intenses et à toujours viser l’excellence et le dépassement. Ils sont habitués à passer plusieurs heures par jour à évaluer leur propre jeu et à essayer de s’améliorer, alors souvent ils appliquent cette habitude automatiquement à toutes leurs activités. Généralement, le musicien est le type de client qui exagère ses exercices, en faisant trop de répétitions avec trop de tension. Lorsque les musiciens font des exercices, ils veulent les sentir! Ils croient souvent que des muscles qui ne brûlent pas ou qui ne sont pas épuisés signifient que l’exercice est mal exécuté (je vois ça si fréquemment!). C’est quoi leur solution? Ils poussent le plus fort possible jusqu’à ce qu’ils ressentent l’inconfort ou le brulement attendu. C’est pourquoi, il importe d’expliquer les paramètres des exercices et les bonnes réponses aux signaux du corps très clairement.

L’écoute du corps : Les musiciens cachent souvent leurs maux/blessures ou attendent le plus longtemps possible avant de consulter, ce qui augmente le risque de chronicisation. Il est donc très pertinent de discuter des signes précoces d’un problème, de la gestion de ces symptômes et des facteurs qui indiquent qu’il faut consulter.

La nutrition, l’hydratation, la santé générale et l’activité physique sont d’autres sujets importants à aborder, car les musiciens sont des athlètes des petits muscles!

Exercices thérapeutiques spécifiques aux musiciens

Dans cette section, je parlerai d’exercices pour les musiciens, mais c’est évidemment une population large! Souvent, nous pensons qu’ils auraient besoin d’exercices spécifiques à chaque instrument : je dirais oui et non.

Offrir un programme d’exercices spécifique aux musiciensd’orchestre (incluant les cordes, les vents, les cuivres et les percussions) représente une partie majeure de mon doctorat. J’ai donc passé beaucoup de temps à réfléchir et à faire des recherches au sujet de l’importance d’avoir des exercices spécifiques par instrument. Dans la littérature scientifique, plusieurs études ont exploré l’effet de différents types d’exercice sur la santé physique des musiciens (incluant le Pilates, le renforcement, les entraînements en endurance, la mise en forme générale, Cesar & Mesendieck, les exercices posturaux et le « body mapping », entre autres). Les populations de musiciens, la méthodologie de recherche et les résultats sont variables, mais il y a une tendance qui suggère l’efficacité des exercices posturaux adaptés aux musiciens, qui progressent de l’activation posturale de base aux mouvements fonctionnels musicaux. Pour ce qui est des différents instruments, on se rend compte qu’il y a plusieurs points communs entre les demandes physiques des instrumentistes : ils ont tous besoin d’un contrôle adéquat du tronc, du cou et de la ceinture scapulaire, ainsi que de la stabilité et de l’endurance afin de supporter le poids de l’instrument durant la performance de mouvements précis pendant des périodes prolongées. Décortiquons-les ci-dessous:

Les blessures des musiciens sont, dans la majorité des cas, reliées à la fatigue et à la surutilisation. Ils ont donc besoin d’apprendre à optimiser l’utilisation de leur énergie afin de favoriser l’endurance. Voici des points-clés à considérer :

• La qualité du mouvement: Les musiciens passent leur vie à développer un contrôle moteur hallucinant des mouvements précis spécifiques à leur instrument. Leur tâche principale est de passer des milliers d’heures à raffiner des patrons de mouvements spécialisés – ils sont des maîtres! Toutefois, un contrôle moteur spécifique à certains mouvements seulement peut engendrer certaines limitations, surtout avec la maturation/le vieillissement. En optimisant le contrôle et la stabilité du tronc et des grandes articulations, les musiciens peuvent apprendre à mieux supporter les mouvements spécialisés et bénéficier de transferts d’énergie du tronc et des grandes articulations aux extrémités, diminuant ainsi la fatigue et protégeant les structures aux extrémités. Les mouvements expressifs (ex.: des mouvements gauche-droit et avant-arrière du tronc) peuvent servir au développement de momentum et à l’implication d’une plus grande partie du corps dans le jeu de l’instrument, diminuant ainsi les demandes en énergie aux extrémités, similairement aux joueurs de golf et aux lanceurs de baseball qui ont besoin d’utiliser leurs membres inférieurs afin d’avoir une torque et de la vitesse plus grandes tout en prévenant des blessures des membres supérieurs. Des exercices de contrôle moteur et d’activation posturalecontribuent significativement au développement du contrôle du tronc et des grandes articulations dont ils ont besoin.

• Endurance: À part les muscles dynamiques des membres supérieurs impliqués dans plusieurs gestes musicaux, ce sont les muscles posturaux du musicien qui jouent le rôle le plus important. Afin de limiter l’épuisement musculaire qui peut mener à un contrôle moteur plus faible et un risque de blessure accru, ces muscles posturaux doivent être assez forts et endurants pour accomplir la tâche qui leur ait exigé, suggérant encore une fois l’importance des exercices posturaux chez cette population.

• Forme physique générale: Les musiciens ont besoin d’être en forme, peut-être pas autant que les athlètes, mais assez pour jouer! Des études démontrent que la fréquence cardiaque, la fréquence respiratoire et la perception de l’effort augmentent significativement durant le jeu musical. La forme physique générale, l’hydratation et la nutrition sont donc toutes centrales à leur capacité de performer de façon optimale. S’ils ne sont pas actifs, essayez de les aider à identifier une activité physique plaisante pour eux, et qu’ils pourraient intégrer dans leur routine (été et hiver).

• Postures variables: Les musiciens jouent en position assise (violoncelle, harpe, piano), debout (percussion) ou les deux (guitare, vents, cuivres, violons et altos, etc.) Dans l’orchestre, les musiciens sont habituellement assis, mais différents instrumentistes peuvent avoir l’occasion de jouer debout. C’est pourquoi la plupart des musiciens ont besoin de capacités posturales permettant de tenir un poids dans leurs bras (un instrument de musique, oui, mais n’oubliez pas la pile de partitions, tenue par les chanteurs, loin et haute devant eux afin de garder les yeux près du chef et des spectateurs) et de performer des mouvements difficiles et répétés pendant de longues périodes en positions assise et debout. Leur contrôle postural doit donc être adéquat aux membres inférieurs et dans les deux positions. Ainsi, le programme d’exercices que j’ai offert aux orchestres dans le cadre de mon doctorat comprend une série d’exercices pour les hanches (aussi pour le cou, les épaules, les abdominaux et le dos). En effet, la série pour les hanches vise le contrôle et l’endurance des membres inférieurs afin d’optimiser le support debout.

• Rappel: Il est important de bien différencier les exercices posturaux et l’éducation posturale (la « correction » de la posture). Comme il est mentionné dans le blogue précédentdans la section sur l’observation, il faut éviter de faire des suppositions quant aux postures optimales pour les musiciens. Visez plutôt l’activation de leurs muscles posturaux qui optimisera la technique de jeu qu’ils ont maîtrisée.

En pratique, voici ce que je recommande (version très condensée!) : Les musiciens ont besoin d’une routine d’échauffements physiques dynamiques à faire tous les jours avant leur première séance de pratique ou de répétition; la prochaine étape est d’enseigner l’activation posturale très fondamentale au tronc, au cou et aux épaules; ensuite, les exercices devraient progresser en combinant l’activation posturale de différentes régions du corps en même temps, et en visant des mouvements fonctionnels avec de la résistance et des postures asymétriques aux membres supérieurs pour mimer le poids de l’instrument dans les bras. Ils ont souvent besoin d’apprendre à mieux respirer lors des mouvements, et aussi à relâcher certaines régions du corps lorsque d’autres sont actives. Finalement, ils doivent apprendre à appliquer les apprentissages des exercices au jeu musical (c’est un défi mental!).

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Références

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